London Design Gallery ved Edge of Art and Design

Det var kærlighed ved første blik, sagde Loïc Le Gaillard, en grundlægger af Carpenters Workshop Gallery (CWG). Designgalleriets London-base havde været i Mayfair-distriktet i 16 år, hvor han sagde, at det var forankret i et udstillingsrum med hvid kube, “med samme sprog som alle andre.”

Da han ville have plads til at afholde mere ambitiøse projekter og udstillinger, henvendte han sig til en ejendomsmægler.

“Jeg sagde, ‘find mig noget andet’,” sagde han grinende under et videointerview. “En uge senere banker fyren på min dør og siger: ‘Loïc, jeg fandt noget, der er alt for stort, det er alt for dyrt, det er absolut ikke, hvor du vil være. Men jeg synes, du skal se det.’”

Da Le Gaillard gik ind i det 43.000 kvadratmeter store rum, en Beaux-Arts-bygning i et ingenmandsland nord for det trendy Notting Hill, vidste Le Gaillard, at det var et sted, hvor han og hans medstifter, Julien Lombrail, kunne strække grænser og have sjovt.

“Vibberne er fantastiske,” sagde Le Gaillard. “Vi vil være i stand til at opnå store ting derinde.”

Den vidtstrakte plads, Ladbroke Hall, blev bygget i begyndelsen af ​​det 20. århundrede som en bilfabrik. Det fortsatte med at leve andre liv, som et tv-studie og til sidst et begivenhedsrum, indtil Le Gaillard og Lombrail købte bygningen og omdannede den til et multifunktionelt rum, et projekt på 30 millioner pund (ca. 37,5 millioner dollars).

Åbnet i sin nuværende form for godt et år siden, huser Ladbroke Hall nu ikke kun to etagers udstillingsrum for Carpenters Workshop Gallery, men også Pollini, en prisvindende italiensk restaurant, et rum til private arrangementer, et lille koncertsted, der holder ugentlige fredagsjazzaftener og en privat bar for dem, der betaler for at blive protektorer af galleriet. Senere på måneden åbner en bambushaveudvidelse af restauranten, og i det tidlige efterår åbner en massiv underjordisk hal til større shows, i tide til at være vært for en udstilling, der falder sammen med Frieze London.

For at få et afkast på den investering på 30 millioner pund, skal galleriet selvfølgelig sælge sine værker. I næste uge, på TEFAF New York, vil galleriet byde på en håndfuld af dets mest kendte kunstnere – herunder Nacho Carbonell fra Spanien, Vincenzo De Cotiis fra Italien og Ingrid Donat, en fransk svensk dekorativ kunstner (som er Lombrails mor). Det vil også vise nogle af dets nyeste designere, som Marcin Rusak fra Polen.

“Det bliver første gang for mig,” sagde Rusak om at vise på TEFAF New York og tilføjede, at Carpenters Workshops New York-rum også vil afholde en udstilling af hans arbejde under messen.

“Siden jeg begyndte at studere design,” sagde han, “var Carpenters Workshop øverst på listen, og du ved, at der var sådan en hellig gral af et galleri at have, og jeg troede, det var uopnåeligt i lang tid.”

Mens Lombrail voksede op omkring design, gjorde Le Gaillard det ikke, men blev i stedet eksponeret for kunstverdenen gennem sin far, der havde et galleri. Han flyttede til London fra sit hjemland Frankrig som 20-årig for at studere corporate finance og arbejdede i kosmetikindustrien i næsten 15 år.

“Jeg besluttede i midten af ​​30’erne, at jeg virkelig ville gøre det her,” sagde han, “at opfinde et nyt sprog, når det kommer til at vise design.” Meget af det var inspireret og påvirket af arbejdet fra Droog, en hollandsk designvirksomhed, hvor form var mere relevant end funktion, som Le Gaillard beskrev det.

Mellem Lombrail og Le Gaillard havde de god viden om kunstverdenen. Le Gaillard sagde dog, at de begge følte, at der allerede var “for mange spillere” i rummet.

“Vores lommer var ikke dybe nok til realistisk at forvente at være en meningsfuld spiller, fordi det er blevet et meget dyrt spil,” sagde Le Gaillard fra den moderne kunstverden. “Vi tænkte faktisk, det er netop her, vi tror, ​​vi har noget at sige og også være i stand til at coache eller art-dirigere nogle kunstnere til at udvikle genstande, kunstværker, som er meget på grænsen mellem kunst og design.”

Denne idé om at være formskiftere i branchen var noget, der appellerede til mange af de designere, de repræsenterer.

“De fjernede grænsen mellem kunst og design,” skrev den indflydelsesrige hollandske designer Maarten Baas, som galleriet repræsenterer, i en e-mail. “Det plejede at være en endeløs diskussion, i hvilken kategori visse værker (som mit) hører hjemme, men siden CWG fordampede diskussionen.”

De tog deres navn fra et tidligere tømrerværksted i Chelsea, hvor Le Gaillard plejede at have sit kontor, og de overbeviste Donat om, at de burde, sagde Le Gaillard, “gøre denne rejse sammen.” Inden længe kom hun om bord som en af ​​deres første dekorative kunstnere.

En del af den rejse var at etablere et designatelier uden for Paris for otte år siden, hvor op til 70 håndværkere kan arbejde på et givet tidspunkt. En anden var at åbne yderligere gallerirum i Paris, New York og Los Angeles.

“Vi udforsker konstant, eksperimenterer med nye ting og kan lide alt, hvis du ikke prøver, hvis du ikke udforsker, hvis du ikke bevæger dig fremad, forbliver du stille,” sagde Le Gaillard. “Så det handler om, hvordan man udnytter det her, men prøv at strække det lidt længere uden at genopfinde hjulet hele tiden, men prøv i det mindste at se, hvordan vi kan lave nogle gamle teknikker med de nye teknikker og se, om det kan være konstruktiv og noget værdifuldt for kunstnerne.”

I årenes løb opbyggede de ikke kun deres kadre af kunstnere som Rick Owens, Wendell Castle, Johanna Grawunder og Karl Lagerfeld – ja, den Karl Lagerfeld, hvis skulpturelle værker de viste i New York i 2019 – men også en kundekreds, der inkluderer Brad Pitt, Tom Ford og Dasha Zhukova.

“De har et så tæt forhold til deres kunstnere,” skrev Nicole Hollis, en San Francisco-baseret indretningsdesigner, der arbejdede med galleriet, da de bestilte en tilpasset spisestue til en vigtig samlerkunde. Hun tilføjede, at galleriet har “en særlig evne til at lade dem skabe deres bedste arbejde og eksperimentere, mens de vejleder dem om, hvad slutbrugeren leder efter. Det er en balance.”

Julia Peyton-Jones, den tidligere meddirektør for Serpentine Gallery i London og i øjeblikket senior global direktør for særlige projekter hos Galerie Thaddaeus Ropac, var enig i denne vurdering. Carpenters Workshop, skrev hun i en e-mail, “se på kultur i runden og udforsk”, hvor discipliner som design, skulptur og kunst overlapper hinanden. “Det er dette,” skrev hun, “der markerer dem fra andre gallerier.”

Selvom det er en risiko at tage sådan et kæmpe rum til en enorm pris – noget Le Gaillard erkendte – har Carpenters Workshops nye hjem helt sikkert potentialet til at blive et nyt kunstnerisk knudepunkt i en del af London, der længe har været udeladt af det kulturelle landkort.

Med det nye underjordiske rum, der skal åbne til efteråret, er der et potentiale for at flytte kunst- og designelskere op til North Kensington – et område, der er mellem flere destinationskvarterer, som Notting Hill og Queen’s Park – til frokost, en udstilling og en jazzkoncert at runde dagen af.

“Carpenters Workshop får os til at tænke over, hvad vi mener med design,” skrev Deyan Sudjic, den tidligere direktør for Design Museum i London, i en e-mail. “Den har en bravour tilgang, den er klar til at omfavne de sværere stemmer og være modig omkring, hvad den gør. Ingen andre ville have taget imod Ladbroke Hall med dens enorme og ambitiøse rum.”

Baas, den hollandske designer, var enig. “De tænker langt større og mere komplet end andre gallerier,” skrev han. “Perfekt præsentation, langsigtet vision, edgy investeringer og de bliver ved med at presse på.”