New Yorks/Manhattans næste generation af designgallerister inviterer dig indenfor

“Der er en ny bølge,” sagde Emma Scully, der åbnede sit navnegalleri på New Yorks Upper East Side sidste forår.

Ms. Scully, 33, er blandt en ny garde af gallerister, der stræber efter at ryste den nuværende moderne designscene med nye perspektiver. “Det føltes i lang tid, man så de samme, meget etablerede spillere inden for design,” sagde hun. “Nu er der så mange nye stemmer og forskellige måder at arbejde på.”

Efterhånden som detailhandlen bevæger sig mere og mere online, og showrooms, vintagebutikker og pop-ups bliver mere og mere en kurateret oplevelse, har Manhattan set en væld af designgallerier startet af nye kuratorer – mange af dem unge og opsat på at sætte deres præg i en voksende marked for samleobjekter i begrænset oplag, der spænder over grænsen mellem skulptur og funktionelle møbler.

I 1990’erne og de tidlige årtier hjalp gallerier som R & Company, Carpenters Workshop Gallery og Friedman Benda med at udvikle dette marked af avanceret, for det meste europæiske moderne design, bemærkede fru Scully, og udfyldte typisk det kritiske rum, som store kunstmuseer efterlod. der ofte har overset betydeligt moderne design til fordel for mere etablerede kunstmedier, som maleri og traditionel skulptur.

“Dikotomien mellem kunst og design er mere en vestlig idé,” sagde Chris Shao, 31, som åbnede Objective Gallery i Shanghai i juli 2020, før han introducerede en anden forpost på Manhattan med sin forretningspartner, Marc Jebara, 34, i marts.

“I asiatiske kulturer har vi ikke denne opdeling mellem kunst og design,” tilføjede Mr. Shao. “En antik tekande er kunst, håndskrevet kalligrafi er kunst. En stol fra en dynastisk periode er kunst. Det er ikke det samme koncept for dekorativ kunst versus kunst her, hvor design ses som en tertiær kategori.”

Blandt yngre samlere, sagde hr. Shao, er den slags genreforskel mindre bekymrende. Og mens de sidste to års pandemiske nedlukninger satte nogle industrier i fare, tilsyneladende fra den ene dag til den anden, oplevede design- og interiørfaget et betydeligt boom, hvilket understøttede indsatsen fra nye og eksperimenterende kuratorstemmer, der udvidede deres praksis med et fysisk fodaftryk.

“At vise mit arbejde i et fysisk rum betyder alt for mig – det er det, jeg skaber værket til,” sagde kunstneren Vincent Pocsik, 37, hvis hulking, antropomorfe træmøbler i øjeblikket er at se på Objective Gallery. “Jeg tror ikke, man virkelig kan forstå et kunstværk ud fra et billede.”

“Det er vigtigt at se, røre og lugte til værkerne personligt,” sagde Stephen Markos, 39, der begyndte at etablere sin kuratoriske praksis, Superhouse, gennem pop-up-udstillinger og en Instagram-konto. Sidste efterår åbnede han sit galleri i en lille, vitrinlignende butik i et East Broadway mini-indkøbscenter i Chinatown.

Til nogle lokales bestyrtelse er pladsens lejere i stigende grad unge nystartede virksomheder; Mr. Markos’ naboer på anden sal omfatter vintage-butikken James Veloria, en modeindustrifavorit, og indie-modemærket Eckhaus Latta. Mens galleriet kun er åbent lørdag og søndag eftermiddag, forbliver lyset tændt hele ugen i indkøbscentrets åbningstid, og byder alle, der tilfældigvis passerer igennem, velkommen til at kigge ind.

“Spørg mig om fem eller 10 år, men jeg føler meget stærkt, at det her er forankret i centrum og at dyrke markedet med folk her – det er ikke en Chelsea-ting,” sagde han om galleriet, da en metrolinje buldrede over hovedet på Manhattan Bro. Hos Superhouse, fortsatte han, er kundekredsen mangfoldig, men består af “for det meste kunstnere, for det meste under 40”, som er interesserede i unikke kunstværker i begrænset oplag, der skærer igennem den ensartethed, der kan gennemsyre de hurtige indretnings-trendcyklusser på sociale medier .

For unge designentusiaster kunne overfloden af ​​designindhold fra det sidste årti på sociale medier sidestilles med, hvad Design Within Reach – den moderne designforhandler grundlagt i den sene dot-com-æra – var for Gen Xere, der ville investere i deres reder. På det tidspunkt udvidede DWR adgangen til et tidligere nichemarked, som indtil da primært blev udnyttet gennem specialforhandlere, indretningsarkitekter eller messer.

Det skift flyttede nålen i retning af at forme smag for designæstetik, såsom boomet af moderne design fra midten af ​​århundredet. Men i de sociale mediers tidsalder og udbredelsen af ​​visuel kultur er smagen blevet mere skæv mod de unikke og samlerbare fotogene værker, der er mere optaget af eklekticisme og udtryk frem for kun funktion.

For fru Scully har præsentation af værker, der berører en bred vifte af bekymringer, herunder bæredygtighed, lokal produktion og social lighed, forrang frem for en bestemt stil eller æstetik. Snarere sagde hun, “det handler mere om et koncept.” “Paraciphers”, en kollektion af nye gulvlamper af lysdesigneren Bec Brittain, som i øjeblikket kan ses i hendes galleri, tager formel og materiel inspiration fra NASA-faldskærmsudspring med geometriske tekstilmønstre, der koder for budskaber om social retfærdighed i midten af ​​1800-tallet. telegrafisk kode, fortolket gennem farve.

På Superhouse har tidligere shows vist møbler af Ryan Decker, som Mr. Markos beskrev som en, der skaber i en “Carlo Bugatti møder Minecraft”-æstetik, og en gruppe ikke-binære kunstnere, der specialiserer sig i træbearbejdning – et håndværksrige, der traditionelt er kendt for en “Maskulin, macho”-skaberkultur, der “endog kan få cis, straight mænd til at føle sig utilpas,” sagde han.

“Jeg forsøger at tage en mere akademisk tilgang til udstillinger med et klart fokus på inklusivitet på tværs af køn, kultur og alder,” fortsatte Mr. Markos. “Jeg vil gerne have en bred repræsentation på galleriet.”

Den type arbejde, der præsenteres af disse nye Manhattan-designgallerier, afspejler både, hvad unge, nutidige og uafhængige designere laver, og hvilke millennials – hvoraf nogle måske har nået et punkt i deres liv, hvor de oplever at have opnået en vis disponibel indkomst — ønsker at købe og samle. Dette inkluderer arbejde, der udfordrer definitionerne af skønhed og funktion, såvel som ideen om, at man har brug for formel uddannelse for at være en arbejdende kunstner eller kurator for den sags skyld.

“Som en relativ nykommer til kunstverdenen, har jeg altid kæmpet med, hvor eksklusivt det føles,” sagde Alex Tieghi-Walker, som startede Tiwa Select, en moniker, der har antaget forskellige former, herunder en onlinebutik, pop-up-begivenheder og udstillinger og fokuserer på selvlærte designere og håndværkere. Platformen tilbyder også hybride begivenheder, der fremmer en følelse af kreativt fællesskab og kulinarisk påskønnelse.

“Jeg vil ikke have, at det skal føles, som om jeg er en institution,” tilføjede han, men i stedet “et miljø, hvor folk kan komme, nyde kunsten og møde kunstnerne.”

Mr. Tieghi-Walker, 35, flyttede for nylig fra Los Angeles og åbnede 181 Mott, et galleri og et eventområde, i sidste måned med en præsentation af kunstneren Megumi Shauna Arais patchwork tekstilværker, som blander elementer af hendes japanske og jødiske arv. Der er også planer om at være vært for et madprogram med kokken Chris Kronner i begyndelsen af ​​næste år.

Mr. Tieghi-Walkers bolig, på en øverste etage af bygningen, der huser galleriet på gadeplan, kan også i sidste ende blive et live-in showroom efter aftale. Det er en model populariseret af vintage-forhandleren Michael Bargo, som han samarbejdede med sidste forår for at være vært for “Vetro Alga”, et show med tang-inspirerede glasværker af kunstneren Dana Yolanda Arbib under New York Design Week.

“Jeg tror, ​​vores generation støtter hinanden meget mere, og vi har internettets værktøjer til at dele hinandens arbejde, så det føles meget mere som om, at vi er et større samfund i stedet for en gruppe øer i konkurrence, ” sagde hr. Tieghi-Walker, som håber at kunne slå sig sammen med flere gallerier og kuratorer.

Til “Sexy”, et splashy gruppeudstilling tidligere på året i Objective Gallery, kurateret af designeren og influenceren Eny Lee Parker, sagde Mr. Shao, at det organiserende tema var mindre formelt og “mere af en stemning”, der bød velkommen til en god tid. Dens dør-sprængende åbningsaften overbragte også en følelse af sult efter to lange pandemiår efter flere kulturelle rum, der forkæmper nye kunstnere og designere, tilføjede Mr. Jebara, Mr. Shaos forretningspartner.

På det nye Jacqueline Sullivan Gallery, som åbnede i september på fjerde sal i 52 Walker i TriBeCa, er dets debutshow, “Substance in a Cushion”, et slags kærlighedsbrev til genstandes meningsfuldhed. Med inspiration fra en linje fra Gertrude Steins bog “Tender Buttons”, bemærkede fru Sullivan, 35, en dobbelt betydning i ordet “substans”: værker kan have “substans” i den forstand, at de har en håndgribelig, fysisk tilstedeværelse; de kan også være “substantielle”, idet de er gennemsyret af betydning.

Disse omfatter en række “stoleforbindinger” af designeren og kuratoren Kristin Dickson-Okuda, der løfter sædebetræk til lagdelt, sartorial pragt og arbejde af Valentina Cameranesi Sgroi, en art director og scenograf i Italien, hvis sarte glasbeholdere fremstår næsten som flydende, skulptureret og suspenderet i luften.

“Jeg er en meget intuitiv person,” sagde Ms. Sullivan. “Jeg har aldrig rigtig følt mig superanalytisk omkring ting, det handler mere om følelsen.”

For mange blandt denne nye kohorte af designgallerister, som blev myndige under den store recession og fremkomsten af ​​sociale medier, har overgangen til iværksætteri været både naturlig og længe undervejs.

Mr. Markos, der startede sin karriere med at arbejde hos auktionshusene Artnet og Christie’s, havde også et ophold i produktudvikling i flere år, selvom hans langvarige drøm om at åbne sit eget galleri bestod. “Det er, hvad jeg kom til New York for at gøre,” sagde han.

Mr. Tieghi-Walker sagde: “Måske tager det et stykke tid for folk at finde ud af, hvilken karriere de ønsker, eller hvor deres passioner ligger.” Som mange millennials har han haft forskellige job gennem sin karriere – inden for medier, gæstfrihed og teknologi, “delvis af nødvendighed,” sagde han.

“Traditionelt ville du gå i skole og gå ind i ét job og gøre det job resten af ​​dit liv,” sagde han. “Jeg føler, at vores generation aldrig har været i stand til det, eller endda ønsket at gøre det.”